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    El siglo XX está atravesado por cambios sociales, luchas políticas, grandes avances científicos y tecnológicos, revoluciones y guerras. La crisis del sistema preconizado por la burguesía desde sus albores renacentistas parece entrar en un callejón sin salida y se generan utopismos de derecha e izquierda, que, aunque de naturaleza y de objetivos contrapuestos, en la practica concreta se traducen en mas guerras, desigualdades y desconcierto. Por supuesto, la creación estética y los movimientos artísticos no han podido permanecer al margen de este dificultoso y complejo momento de la humanidad. El surgimiento de nuevas posibilidades técnicas transforma las viejas artes y provoca el nacimiento de otras nuevas, como ocurre en el campo de la comunicación visual. En sus diferentes campos parece estar aún muy lejos de haber resuelto los problemas terrenales más primarios.

    La arquitectura, en general, es la que abarca la consideración de todo entorno físico que circunda la vida humana; no podemos sustraernos de ella, puesto que formamos parte de la civilización, porque la arquitectura es el conjunto de las modificaciones y alteraciones introducidas sobre la superficie terrestre de acuerdo con las necesidades humanas, exceptuando únicamente el riguroso desierto.

    A finales del siglo XIX, se pone al servicio de los arquitectos un nuevo material: el hormigón armado. El hormigón ya había sido utilizado con anterioridad, lo novedoso radicó en verterlo en encofrados de madera en los que se disponían barras de acero, recurso que lo volvió más resistente e incombustible.

    Entre 1890 y los primero años del siglo XX, se difundió en Europa la tendencia del denominado art nouveau. Esta corriente se propuso demostrar que con el hormigón y el hierro se podían producir formas bellas. Dentro de una decoración urbana, el art nouveau planteó la necesidad de embellecer las ciudades con edificios hermosos, plenos de fluidez espacial y volumétrica, sin discontinuidad entre su interior y su fachada. La cerámica, la vidriería, el esgrafiado y el forjado del hierro dieron mayor colorido y plasticidad a los edificios.

    La mayoría de los modernistas eran poetas, pero muchos de ellos cultivaron, además, la prosa, hasta el punto de que la prosa hispana se renovó al contacto con la poesía del momento. El iniciador del movimiento fue el peruano Manuel González Prada, ensayista de gran conciencia social. Entre los principales poetas modernistas se encontraban el patriota cubano José Martí, el también cubano Julián del Casal, el mexicano Manuel Gutiérrez Nájera y el colombiano José Asunción Silva, aunque fue el nicaragüense Rubén Darío quien se convirtió en el más destacado representante del grupo tras la publicación de Prosas profanas (1896), su segunda obra mayor, y él fue el verdadero responsable de conducir el movimiento a su punto culminante. Tanto él como sus compañeros de grupo materializaron el mayor avance de la lengua y de la técnica poética latinoamericana desde el siglo XVII.

    - Modernismo experimental. El más creativo, partió de un historicismo, reinterpretándolo. Sería el caso de los inicios del modernismo en el foco catalán. Café-restaurante para la Exposición Universal de Barcelona de 1888, de Doménech y Montaner o la Casa Vicens de Gaudí, con una reinterpretación magnífica del neomozárabe.

    total de todas y cada una de las partes que componen un edificio (estructura nueva, fachada libre, cimientos revolucionarios y azoteas trabajadas con el mismo cuidado que el resto. El Palau de la Música catalana, de Doménech y Montaner y las casas Batlló y Milá , de Gaudí.

    - Modernismo ocasional. Practicado por arquitectos cuya trayectoria era más eclecticista o historicista y que constituyen un alto excepcional en su carrera. Sería el caso de Eduardo Reynalds, con su Casa Pérez Villamil.

    - Modernismo epitelial. Utilizado por multitud de autores y diseminado por toda la geografía española, se nos revela en forma de pequeños detalles que hallamos en una fachada o en un interior, trabajados de forma artesanal o mostrando un conato de ruptura que empieza y acaba con ellos mismos.

    - Modernismo pervivencial. Numerosos autores afirman que el modernismo integral terminó con la muerte de Gaudí en 1926, por eso el que se prolonga más allá de esta fecha, recibe este nombre. Jujol, ayudante de Gaudí, con su remodelación de la vieja masía Casa Negre, terminada en 1930, es un perfecto ejemplo.

    En Cataluña, el art nouveau adoptó el nombre de modernismo y alcanzó gran popularidad. El modernismo, que tuvo en Cataluña su máxima expresión, es un estilo derivado básicamente del prerrafaelismo y el simbolismo, caracterizado por el predominio de la línea curva sobre la recta, la riqueza y el detallismo en la decoración, el uso frecuente de motivos vegetales y naturalistas, el gusto por

    En el caso concreto de Madrid, no encontraremos ninguna obra de modernismo integral, como pueden hallarse en Barcelona sino que hallaremos detalles modernistas. José grases Riera es uno de esos arquitectos que utilizarán esporádicamente el modernismo.

    Gaudí nació en el año 1852 y murió en el año 1926. Recién obtenido el título de Arquitecto, se dedicó a hacer pequeños trabajos. Entre ellos diseñó una vitrina para una conocida guantería, Casa Comella, para la Exposición Universal de París, en 1878.

    Y en su etapa de Barcelona, donde llegó a los 17 años, también había superado la época en la que tuvo que simultanear el trabajo de delineante y proyectista (por falta de recursos económicos) con sus estudios de Arquitectura.

    Gaudí no sólo revolucionó la arquitectura, sino que fue creador de una nueva arquitectura basada en las líneas curvas. Diseñó, muebles, elementos decorativos, rejas de hierro forjado y todo lo relacionado con la arquitectura.

    El 19 de marzo de 1882 se colocó la primera piedra de este singular templo barcelonés. El proyecto inicial de Francisco del Villar, era de inspiración neogótica, entonces habitual. Una discusión entre este arquitecto y José María Bocabella, hizo que el proyecto pasase a manos de Antoni Gaudí en 1883. Éste concibió un templo que fuese un símbolo de la Renaixença catalana. En consecuencia lo abordó como

    un inmenso campo de experiencias, al termino dedicándole toda su vida, sin verlo acabado. Su obsesión le llevó a instalarse en una humilde caseta de la obra. El plan definitivo nunca se podrá conocer, pues fueron destruidos planos y maquetas al estallar la guerra civil. Partiendo de la clásica planta de cruz latina, Gaudí fue elaborando sistemas de

    El gran crecimiento de las ciudades planteó problemas urbanísticos insoslayables. El arquitecto contemporáneo se convirtió en arquitecto-urbanista y antepuso a toda otra consideración el logro de condiciones de habitabilidad. Ésta se volvió la premisa de las nuevas tendencias y en función de ella se encararon los volúmenes, los espacios y los materiales empleados.

    Ludwig van der Rohe no cursó estudios universitarios de arquitectura, sólo se formo como marmolista y estuquista junto a su padre albañil. En su obra, el volumen se desglosa en planos que responden a dos ejes estructurales: el vertical y el horizontal. Los tabiques no quedan encerrados dentro del edificio, sino que se proyectan hacia afuera. En las viviendas unifamiliares, siguió el mismo diseño, pero cerrando los espacios con cristales.

    En Alemania, entre 1921 y 1922, Van der Rohe diseño dos rascacielos de cristal, pero sólo pudo concretarlos treinta años después en Chicago. Frente a la opulencia En Alemania, entre 1921 y 1922, Van der Rohe diseño dos rascacielos de cristal, pero sólo pudo concretarlos treinta años después en Chicago. Frente a la opulencia estadounidense, sostuvo que lo menos es más y construyó

    esqueletos de acero que encerraban volúmenes rectangulares, empleó perfiles en I,H y L e insistió en los cerramientos de vidrio. Asimismo, fue el maestro de los llamados muros cortina, que no son sustentantes sino meramente separatorios. Van der Rohe, que fue protagonista decisivo de la nueva corriente arquitectónica, fundó diversa revistas teóricas y participó activamente en los congresos internacionales de arquitectura moderna.

    El Fauvismo es el primer movimiento revolucionario del siglo. No es una escuela con un programa elaborado, sino un numeroso grupo de pintores movidos durante un periodo por las misma ideas, que emplean un lenguaje artístico con muchos rasgos de semejanza. Tiene una vida corta pero su funcionamiento como grupo sirvió de ejemplo a otras vanguardias posteriores. Sus obras se caracterizan por su rebeldía ante el arte burgués y por su admiración hacia la pintura de Van Gogh y Gauguin, basada en el uso arbitrario de colores intensamente vivos.

    El color vuelve a ser el ingrediente principal del cuadro y se utiliza de manera apasionada; los pintores fauves se inclinan por la mancha plana y ancha. El color se independiza del objeto, se puede pintar un caballo verde, o una modelo azul desde el caballo a los pios, o un mar violeta, o árboles con hojas de colores distintos y troncos policromos, o habitaciones en las que rectángulos de color desbordan desde la pared hacia las puertas. La luz suele desaparecer y con ella la profundidad. Los primeros ejemplos fauves proceden de 1903, pero es en el otoño de 1905 cuando una docena de artistas agrupados en torno a Henri Matisse (1869-1954), líder indiscutible del  movimiento, hacen su aparición pública en el Salón de Otoño de París, provocando un escándalo entre el público y la crítica burgueses: Una

    Henri Matisse se convierte en el jefe del grupo y es el pintor que se mantuvo más leal a los principios fauvistas. Matisse busca la solidez, frente a la obra como efusión de los ojos propugna la obra como creación de la mente. El estilo de Matisse se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo su formas mediante exaltadas zonas de color, que no suelen coincidir con su apariencia real en la naturaleza. El retrato de su esposa, titulado La raya verde, dominado por una rabiosa banda de esta tonalidad, que secciona la cara desde la raíz del pelo a la barbilla, resulta ejemplificado.

    En las grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilíneos de la Art Nouveau y el arabesco del mundo musulmán, produciendo obras decorativas de gran belleza, como La Danza y la ornamentación de la capilla del Rosario, etc.

    Tras la explosión de sensualidad cromática del fauvismo aparece, por la inspiración de Picasso y Braque, un arte cerebral, intelectual, una especie de operación quirúrgica. El apelativo cubismo se debe al crítico Luis Vauxcelles, quién en 1908 decía que las telas de Braque estaban compuestas de pequeños cubos.

    El Cubismo descompone la imagen en estructuras poliédricas, que reflejan simultáneamente varios puntos de vista. Dicho con otras palabras: el cubismo reduce la figura el objeto y el paisaje a cubos.

    de las grandes paletas del cubismo. Iniciado con los fauves, se adhirió a la nueva estética cuando conoció Las señoritas de la calle Avinyó del pintor malagueño. En el 1912 realizó el primer collage de la pintura contemporánea. Bañista y El clarinete son acaso las pinturas más representativas del Braque cubista.

    Braque: Casas en l´Estaque 1908. Todavía absorbido por las preocupaciones fauvistas, Braque reduce, dentro del cubismo, las casas a formas geométricas respetadas por un cromatismo mesurado de verdes y pardos.

    Desde la Edad Media al siglo XX, el expresionismo fue una constante del arte alemán. Básicamente consiste en expresar una emoción intensa, distorsionando la forma y el color. Hasta finales del siglo XIX el arte pictórico había expresado las facetas visibles del ser humano, la belleza o el dolor; sólo Goya, excepcionalmente, había destrozado las convicciones con las que se representaban las anatomías para bucear en los misterios del mundo interior.

    En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, desinteresados por el Impresionismo triunfante, se asocian en Dresde bajo la denominación die Brücke (el puente). El título lo toman de la obra de Nietzsche. Así hablaba Zaratustra y sus autores pretendían con este título vincular el pasado y el presente del arte alemán. Simpatizaron con los colores de las vidrieras góticas y sus imágenes

    fragmentadas por grandes demarcaciones de plomo, con el primitivismo d la máscara africana y, sobre todo, con la tempestuosa ruptura cromática de Matisse, gustando que los llamaran los nuevos salvajes. el soporte que emplean es la

    Este camino es seguido aisladamente por algunos pintores de diferentes países, el belga Ensor, el suizo Hodler, el noruego Edvar Munich, cuya obra El grito es un símbolo de la emoción delirante que se ha introducido en muchas obras de arte.

    Es un movimiento vanguardista que comenzó con un grupo de jóvenes intelectuales, inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial. Abarcó todos los géneros artísticos y se basó principalmente en una actitud de revuelta, desprecio y disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, que frente al arte tradicional había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró irrespetable.

    La palabra Dadá fue escogida al azar por el poeta rumano Tristan Tzara (principal representante del dadaísmo de nacionalidad rumana. Editor, ensayista y poeta que fundó este movimiento con Hugo Ball (escritor alemán), Jean Arp (artista alsaciano) y otros intelectuales.) durante la primera

    guerra mundial para simbolizar el espíritu contestatario y antiartístico. A la singular consigna de todo el mundo es Dadá, se adhirieron numerosos escritores y artistas, unidos por una actitud decididamente iconoclasta y antiartística. En el campo de la plástica, recurrieron al ready-made, el collage, el décollage o el assemblage.

    Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo que este considerara los valores estéticos establecidos.

    Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna.

    Un ejemplo de artista dadaísta fue el pintor y escritor alemán Kurt Schwitters que se   destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes- un secador de botellas y un urinario - a los que denominó ready - mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la

    Su rebelión contra las normas establecidas era basada en una creencia profunda y proveniente de la tradición romántica, en la bondad esencial de la humanidad cuando no esta corrompida por la sociedad.

    Dada es cualquier cosa, es un estado de ánimo, nacido de la guerra y en la guerra. Es anarquista, revolucionario, también es indiferente, diletante y poético. Dada quiere estigmatizar la brutalidad. Dada está en contra del futuro. Existen, más que por la guerra, porque son hombres independientes que viven otros ideales.

    El movimiento Dada emitió su propio manifiesto, o ideas:  Propugnó la abolición de la memoria y de la lógica, de la arqueología, de los profetas y del futuro , el quebrantamiento de las normas, la liberación de la fantasía y la creación de un lenguaje incoherente que era el reflejo del vivir de su sociedad.

    Es un movimiento antiliterario, antipoético, anti-arte que terminó por ser anti-el mismo, para que finalmente muriera por sus propias manos. La destrucción es necesaria para la creación, naciendo así el surrealismo.

    En Berlín, en 1918, se formó el club de Dadá, donde encontramos a George Gras, Raoul Hausmann y John Heartfield. En Hannover, Kurt Schwitters, realizó merzcollages con obejetos recogidos de la calle.

    En el siglo XX, la escultura rompe radicalmente con el pasado y se generan numerosas tendencias de diverso signo. Entre las más relevantes, mencionamos el cubismo, el expresionismo, el constructivismo, el futurismo, el dadaísmo, la abstracción, la neofiguración, el op-art y el minimalismo.

    Lo que he podido concluir de este trabajo es que, por una parte los bienes culturales se han convertido en productos de consumo de masa, por otra parte, es que, el arte junto a la cultura han generado auténticas industrias de extensión y beneficios, muy distintos al siglo pasado.

    El expresionismo, el fauvismo y el cubismo cuestionaron las reglas de composición clásicas (en las artes plásticas). En la literatura, se rompió la narración tradicional y en música, se abandona la tonalidad.

    Y lo que supuso el desarrollo de las vanguardias artísticas fue la Segunda Guerra Mundial. Y así encontramos cambios en la arquitectura: modernismo (Gaudí) y arquitectura funcional (Van der Rohe); en la pintura: postimpresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo, constructivismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, expresionismo abstracto, pop art e hiperrealismo (de las cuales hemos hablado del fauvismo, expresionismo, cubismo y dadaísmo); y escultura: Naum, Gabo, Tatlin, Gargallo, Henry Moore, Calder, Brancusi, Giacometti y Chillida (de los cuales hemos hablado de Chillida).






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